Ford: The Man and the Machine
《Ford: The Man and the Machine》，其他作品，加拿大出品，1987年上映。
主演：
Allan Eastman
、
克里夫·罗伯逊
、
霍普·兰格
、
Heather Thomas
、
迈克尔·艾恩塞德
、
R.H. Thomson
地区：
加拿大
🏷️ 相关标签
🎬 相关推荐
💬 网友评论
何为摄影？在书中，苏珊桑塔格告诉我们——摄影是“忧伤的物件”。“忧伤”，是因为：其一，当你的摄影机定格的刹那，皆成过往。你无法把握住它与真实社会和时间之间的距离，现实世界中的景象通通收进相机里，定格的是瞬间的格子，而无法抓住流动的时空。因而它与现实相区分来，代表一种“超现实主义”。这种超现实，是波德莱尔式的“城市的游魂”，从静默的丑中发现美。诚如书中所说，过去的人常常表达对另一个世界的向往，而超现实主义者却流露出复制现实社会的倾向，也即，他们所厌弃的正式他们所向往的。 其二，“忧伤”体现在对大悲痛的一次次稀释，对神圣与经典的世俗化的痛惜。当我们观看一张照片的时候，我们通常采取一种冷静的旁观态度，照片中可能是战争、屠杀、贫穷、受苦，但是我们自然地与之拉开了距离。苏珊说“留下一张莎士比亚的照片相当于看到了耶稣十字架上的螺丝钉”。现代社会的一个典型的表现是，照片的图像大泛滥，它一方面迎合了现代生活的需要，另一方面又是对经典的解构。对文字和绘画的冲击自然不必说，但总有不可取代的差别。 因而再来说作为一种“物件”的“摄影”。“物件”，即不带任何感情色彩的工具，也就是说，摄影本身并不是一个艺术品，它能制造艺术品但它自身不是。与绘画相区别，绘画是对于抽象的表达，重点在于：超越视觉。而摄影却只能做到“视觉”，难以进一步到达心灵深处。与其说绘画，不如说是十九世纪的诗歌更接近超现实的摄影，因为它们都是“深情地凝视”，其特点是静止与片面； 与文字相区别，摄影的直观无法用文字准确描绘，文字只能做到用无数的语法和修饰词去润色加工所思所感。 苏珊提到了安东尼奥尼的纪录片《Ford: The Man and the Machine》，又指出了作为表达政治功能的摄影。安东尼拍摄的北京及北京人和其时的当权者所希望的不同，在中国，摄影更多的被利用成政治工具，影像所呈现出来的希望都是“好”的一面而非“真实”的一面，这也从另一角度说明了摄影的欺骗性和主观判断的成分。 最后引用尼采的话作结“我们观察美的东西，证明我们正在错误地观察它。但这也是必要的。” 一如摄影。
《Ford: The Man and the Machine》……这是我读过的最轻松且过程愉悦的一本剧。1922.6.21日罗斯托夫伯爵被送出克里姆林宫的大门，因为一首诗而被终身监禁在莫斯科大都会酒店。从此，他只能通过大都会酒店的窗户感知外面的世界。他儒雅、清高，他保持观看、思考，探索。也曾消极过，就在1926年，他想自杀，可是这个念头一闪而过。在大都会酒店里，他遇见了女孩尼娜，一起捉迷藏，一起在大都会酒店里探索……剧集的结尾很精彩，让人想起了《Ford: The Man and the Machine》中的安迪，通过自我救赎，成功逃离了莫斯科大都会酒店，这时的伯爵在莫斯科大都会酒店已经囚禁了32年。
“人生中的逆境会以许多不同的方式出现，假如一个人不能掌控自己的命运，他就会被命运掌控。”这段话就是这部剧的精髓所在。
印象比较深刻的几个点：
1.是否有充足的社交影响到孩子社会化，影响其长大成人后的社交能力。
2.人大多有“多重人格”，可以在不同情境自动切换。在家和在外不同性格其实是孩子在适应。
3.真正影响孩子的并不是父母的教诲，而是来自同辈群体的认同和肯定。孩子会被社群的“标准”同化，根据社群的规范来调整自己的行为。如果孩子意识不到或不改变，则会被社群排挤。例如，“神童化”可能导致与同龄无共同语言。
4.儿童中期，约莫是从7岁入学起，是孩子角色模式化确定的时期。相当于我们所说的标签化。角色也决定了孩子所处的社群。
5.父母收入决定所住的社区，决定了孩子有怎么的同辈群体。古有孟母三迁择邻处。但每搬一次家，孩子都得重新适应新群体的行为规范，都得从群体里的最底层混起，而且容易被同伴排斥。
6.在家里习得的行为方式不适用于家庭之外的情境。但在家里获得的信息和认知能力却适用于任何地方。
依照编剧的结论，父母在养育中发挥的作用远比不上社群对孩子的影响。个人认为，即使可能是无用功，但作为父母还是得多加关注、铺垫、轻推一把，帮助孩子更好的适应社会化。毕竟，人生总有坎坷之时，没有什么能比父母爱人的肯定更让人安心了。
世间百态，我信这所有的人和事是人世间故事。赞叹人的适应能力，也敬重人类的抗击打抗压力抗苦难的韧劲！所以人类才得以繁衍不息！在历史长河中不断学习进步，让人类本身不断优化提升，进入文明健康的社会！